Geboren in Santander, Spanien, 1980. Lebt in Madrid und arbeitet von seinem Atelier in der spanischen Hauptstadt aus.
Die einzigartige ikonografische Sprache von Okuda San Miguel mit seinen geometrischen Strukturen und bunten Mustern sowie seine aktive Beteiligung an großen sozialen Projekten haben ihn zu einem der weltweit anerkanntesten und bewunderten Künstler gemacht.
Im Jahr 2015 stellte Okuda den Kaos-Tempel fertig, ein Höhepunkt seiner Karriere, in dem er eine in einen Skatepark umgewandelte Kirche in ein Schaufenster für zeitgenössische Kunst verwandelte. Seitdem wird er von Kulturinstitutionen und privaten Marken auf der ganzen Welt für die Arbeit an großen öffentlichen Projekten sowie für seine vielseitige Atelierpraxis gesucht, die er 2009 begann.
Zu Okudas Repertoire gehören Wandmalerei- und Skulptureninterventionen und Galerieausstellungen auf vier Kontinenten. Zu seinen Auszeichnungen gehören die Auszeichnung als erster zeitgenössischer Künstler, der für das prestigeträchtige Falles-Festival in Valencia ausgewählt wurde, eine spektakuläre Serie von Skulpturen für den Bostoner Seehafen und seine Teilnahme am Titanes-Projekt, das die soziale Integration durch Kunst fördern soll.
Er produziert auch Arbeiten auf Leinwand, die Elemente von Stickereien und Collagen enthalten. Seine unersättliche Lust am Schaffen hat ihn auch dazu veranlasst, mit anderen Formaten wie Skulptur, Fotografie und Video zu experimentieren.
In seinen Kreationen vermischt er Farbe und Geometrie mit organischen Formen, um eine suggestive Symbologie zu schaffen. Okudas Werk kann dem Pop-Surrealismus zugerechnet werden, behält aber die Essenz seiner Wurzeln auf der Straße bei. Seine Werke versuchen immer, den Betrachter zu inspirieren, und werfen universelle Fragen auf, während die endgültige Interpretation ihm überlassen bleibt.
ARTIST-STATEMENT
Für mich ist das Besondere an der Arbeit auf der Straße, neue Orte zu entdecken, sie mit Bildern und Skulpturen zu verwandeln und sich von den Menschen, die dort leben, inspirieren zu lassen. Es gibt ein echtes Gefühl für die transformative Kraft der Kunst und wie sie die Umgebung verbessern kann. Meine größte Motivation ist die Freude, die ich daran habe, immer wieder neue Länder, neue Kulturen und neue Menschen zu entdecken. Dies ist die Wurzel eines starken Interesses an der Förderung des kulturellen Dialogs.
Gleichzeitig muss ich aber auch etwas schaffen, um glücklich zu sein. Deshalb habe ich mir die Herausforderung gestellt, meine Atelierarbeit durch Disziplin und Engagement wachsen und reifen zu lassen, ohne mir Sorgen zu machen, ob sie sich verkauft. Ich arbeite ständig an neuen Projekten und möchte nie aufhören, mich weiterzuentwickeln. Meine Skulpturen zum Beispiel entstanden aus dem Bedürfnis, meine Bilder dreidimensional zum Leben zu erwecken, um einen Ausstellungsraum zu schaffen, der nicht nur auf die Leinwand beschränkt ist.
Bei der Arbeit auf der Straße ist man der direkten Kommunikation mit vielen verschiedenen Menschen ausgesetzt, während die Arbeit im Atelier intimer ist. In beiden Fällen liebe ich es, verschiedene Welten zu kombinieren, sei es im öffentlichen Raum oder in den vier Wänden.
Ich lasse mich von allem um mich herum inspirieren: Freunde, Reisen, Musik, die Straße, die Nacht, das Kino...
Ich bin ein nicht-konformistischer Künstler. Ich sehe mich selbst als Schöpfer von Werken - große Formate im öffentlichen Raum und leichter zugängliche Formate im Studio - die in geometrische Formen und mit einem starken polychromen Element fragmentiert sind.
Mein Stil ist das Produkt einer langen und substanziellen Entwicklung von den Schriftzügen, die ich zu Beginn meiner Arbeit auf der Straße verwendete, und ihrer Weiterentwicklung zu den geometrischen Formen, mit denen ich im Studio arbeite. Als ich anfing, Kunstgeschichte zu studieren, war der Surrealismus meine erste Liebe. Ich identifiziere mich mit Künstlern wie Dalí und Magritte. Ich bin auch ein großer Bewunderer japanischer Künstler wie Keiichi Tanaami und Tomokazu Matsuyama, die eine moderne Version des Surrealismus erforschen. Doch über ihnen allen stelle ich Hieronymus Bosch und sein Triptychon, den Garten der irdischen Freuden, in den Vordergrund. Dank dieser Einflüsse kann meine Arbeit als auf surrealistischen Kompositionen basierend und stark von alten Kulturen inspiriert, mit zeitgenössischen Ikonen gemischt und mit einem Augenzwinkern auf meine Vergangenheit als Graffiti-Schreiberin definiert werden.
Ein weiterer Aspekt meiner Entwicklung als Künstler ist, dass ich mich von der intrinsischen Beziehung zwischen Kunst und Stadtlandschaft verführen ließ. Ich finde es faszinierend, mit der Architektur zu spielen, zu sehen, wie man Fenster in Augen verwandeln und aus Wänden Geschichten schaffen kann. Für mich übersetzt sich das in die Kombination von klassischer Architektur und zeitgenössischer Malerei in vielen meiner Werke im öffentlichen Raum. Eines meiner Ziele ist es, dass diese Kombination nicht nur ein künstlerisches Element ist, sondern auch ein Teil des Lebensraums, in dem Menschen koexistieren können.
Ich arbeite gerne mit einer breiten Palette von Tier- und Menschenformen, jede mit ihren entsprechenden Bedeutungen. Einige meiner Lieblingsikonen sind der Totenkopf, ein Symbol des Lebens, und die Taube, ein Symbol der Freiheit. Ich erforsche gerne das Potenzial von Mutationen zwischen ihnen sowie zwischen Tieren und Menschen, spiele mit ihren Größenordnungen und schaffe unmögliche digitale Kreaturen. Gleichzeitig tendiere ich dazu, Mensch und Natur auf die gleiche Ebene zu stellen, um zu einer Art universellem Gleichgewicht zu gelangen... Im Kern ist es eine metaphorische Art, Gott zu definieren.
Seit ich mit dem Malen von Graffiti begonnen habe, habe ich immer mit anderen Künstlern zusammengearbeitet. In dieser Welt sind Kooperationen die Norm, und es gibt ein echtes Gefühl der Brüderlichkeit. Das ist etwas, das ich gerne bewahren möchte. Mit anderen Künstlern zu arbeiten ist wie meine Kunst in andere Welten zu tragen.
Mit meiner Arbeit möchte ich zum Nachdenken über Themen anregen, die uns alle betreffen, mit einer optimistischen Botschaft, die die Menschen dazu einlädt, eine magische Welt zu betreten.
Ich sehe mich auch als Künstlerin, die die Ästhetik des Denkens unserer Zeit auf den öffentlichen Raum übertragen hat.
Meine Kunst spricht über die Vergangenheit und die Zukunft, die Moderne und unsere Wurzeln und die Fähigkeit des Menschen, die Natur zu verändern. Für mich steht Farbe für Multikulturalismus, unterschiedliche Geschlechter, Pluralität... Flaggen, Rassen, Geschlechter... sie sind alle da. Farbe ist Teil meiner grundlegenden Psychologie. Meine Verwendung all der verschiedenen Farben zeigt, dass wir in der Tat eins sind. Andererseits repräsentiert meine Verwendung der Geometrie die Moderne, die digitale Welt. Der Dialog zwischen dem Organischen/Natürlichen auf der einen Seite und der Zukunft/Künstlichen auf der anderen ist eine Konstante während meiner gesamten Karriere gewesen, im Gegensatz zu einer modernen Gesellschaft, die jegliche Kommunikation mit ihrer Spiritualität abgeschnitten und die Natur nicht respektiert hat. Damit hat sie die Saat ihrer Zerstörung gesät.
Sowohl im Atelier als auch auf der Straße versuche ich, feste Botschaften zu vermeiden und gleichzeitig universelle Themen anzusprechen. Ich versuche, Wege zu öffnen, anstatt geschlossene Antworten zu geben. Für mich ist nicht die Lösung wichtig, sondern der Weg, der einen dorthin führt. Meine Botschaft ist fixiert. Sie ist offen für Interpretationen, sowohl für Menschen, die meine Arbeit auf der Straße sehen, als auch für die Betrachter der Galerie.
Born in Santander, Spain, 1980. Lives in Madrid and works from his studio in the Spanish capital.
The unique iconographic language of Okuda San Miguel, with its geometric structures and multicolored patterns, together with his active participation in major social projects, has made him one of the world’s most recognized and admired artists.
In 2015, Okuda completed Kaos Temple, a highlight of his career in which he transformed a church converted into a skate park into a showcase for contemporary art. Since then, he has been sought out by cultural institutions and private brands across the world to work on large-scale public projects, as well as for his multifaceted studio practice, which he began in 2009.
Okuda’s repertoire includes mural and sculptural interventions and gallery exhibitions on four continents. His distinctions include being the first contemporary artist to be chosen for Valencia’s prestigious Falles festival, a spectacular series of sculptures for Boston Seaport and his participation in the Titanes project, designed to promote social inclusion through art.
He also produces work on canvas, incorporating elements of embroidery and collage. His insatiable appetite for creation has also led him to experiment with other formats, such as sculpture, photography and video.
His creations mix color and geometry with organic shapes to create an evocative symbology. Okuda’s work can be classified as Pop Surrealism but maintains the essence of its roots in the streets. Always seeking to inspire viewers, his works raise universal issues while leaving the final interpretation up to them.
ARTIST STATEMENT
For me, the most special thing about working in the street is discovering new places, transforming them with paintings and sculptures, and being inspired by the people who live there. There is a real sense of the transformative power of art and how it can improve surroundings. My biggest motivation is the enjoyment I get from continuing to discover new countries, new cultures and new people. This is the root of a strong interest in encouraging cultural dialog.
At the same time, I also need to create to be happy. That’s why I have set myself the challenge of growing and maturing my studio work through discipline and commitment, without worrying about whether it sells. I’m always working on new projects and I never want to stop evolving. For example, my sculptures arose from a need to see my paintings come to life in three dimensions to create an exhibition space that wasn’t just confined to the canvas.
Working in the street exposes you to direct communication with many different people, while studio work is more intimate. In both cases, I love combining different worlds, whether in public spaces or within the confines of four walls.
I’m inspired by everything around me: friends, travel, music, the street, night time, cinema…
I’m a non-conformist artist. I see myself as a creator of works—large format in public spaces and more accessible formats in the studio—that are fragmented into geometric shapes and with a strong polychromatic element.
My style is the product of a long and substantial evolution from the lettering I used when I started creating in the street and its progression to the geometric shapes I work with in the studio. When I started studying art history, surrealism was my first love. I identify with artists like Dalí and Magritte. I’m also a great admirer of Japanese artists like Keiichi Tanaami and Tomokazu Matsuyama, who explore a modern version of surrealism. However, I rank Hieronymus Bosch and his triptych the Garden of Earthly Delights above them all. Thanks to these influences, my work can be defined as being based on surrealist compositions and strongly inspired by ancient cultures, mixed with contemporary icons and with a nod to my past as a graffiti writer.
Another aspect of my development as an artist is that I have allowed myself to be seduced by the intrinsic relationship between art and the urban landscape. I find it fascinating to play with architecture, seeing how you can transform windows into eyes and creating stories from walls. For me, this translates into the combination of classical architecture and contemporary painting in many of my pieces in public spaces. One of my goals is for this combination to be not just an artistic element but also a part of the space for living, one in which people can coexist.
I like to work with a wide range of animal and human shapes, each with their corresponding meanings. Some of my favorite icons are the skull, a symbol of life, and the dove, a symbol of freedom. I like to explore the potential of mutations between them, as well as between animals and humans, playing with their scales and creating impossible digital creatures. At the same time I tend to situate humans and nature on the same level to arrive at a sort of universal equilibrium… At its heart, it’s a metaphorical way of defining God.
Ever since I started out painting graffiti, I have always worked with other artists. In this world, collaborations are the norm and there is a real sense of brotherhood. This is something I’d like to preserve. Working with other artists is like taking my art to other worlds.
My work seeks to provoke reflections on issues that affect us all, with an optimistic message that invites people to enter a magical world.
I also see myself as an artist who has transferred the aesthetic of the thought of our times to the public space.
My art talks about the past and the future, modernity and our roots, and the ability of human beings to transform nature. For me, color represents multiculturalism, different genders, plurality… Flags, races, genders… they’re all there. Color is part of my basic psychology. My use of all the different colors shows that we are, in fact, one. On the other hand, my use of geometry represents modernity, the digital world. The dialog between the organic/natural, on the one hand, and the future/artificial, on the other, has been a constant throughout my career, in contrast to a modern society that has cut off all communication with its spirituality and has failed to respect nature. In doing so, it has sown the seeds of its destruction.
Both in the studio and in the street, I try to avoid fixed messages while addressing universal themes. I try to open paths instead of giving closed answers. For me, it’s not the solution that’s important, it’s the path that takes you there. My message is fixed. It’s open to interpretation, both for people who see my work in the street and gallery viewers.